“En estos momentos, el Congreso norteamericano está debatiendo una ley que le daría a EE.UU poder para censurar Internet a nivel mundial, ¡creando una lista negra que podría incluir a YouTube, WikiLeaks, e incluso a grupos como Avaaz! 
Bajo la nueva ley, EE.UU. podría obligar a los proveedores de Internet a bloquear cualquier página web sospechosa de violar derechos de autor o leyes de propiedad intelectual. También podrían inutilizar aquellas páginas que no vigilasen suficientemente la actividad de sus usuarios. Y como la mayoría de servicios de alojamiento de Internet están ubicados en EE.UU., esta lista negra podría restringir de manera drástica el acceso de todos nosotros a una red libre. “

Las grandes empresas de internet como Google, Facebook, Twitter y tantas otras han levantado la mano en contra de esta ley. Es prioritario que todos estemos de acuerdo en esto, PRIORITARIO. Si solo usas internet para mandar emails, entonces ¡¡esta es tu lucha también!!

Más información y una posibilidad de levantar tu mano en contra de esta barbaridad: http://www.avaaz.org/es/save_the_internet/?rc=fb&pv=87

¡no a la censura de la red mundial!

Se viene el techne.11, y tenemos el gusto de haber sido invitados a participar. Gracias a Juliana Rosales por contar con Esto no es Magritte para el evento.

¿Que es techne.11? , Es, en palabra de los organizadores, un “Encuentro urbano de arte y tecnologías. Artistas nacionales y extranjeros presentan performances sonoras y audiovisuales, instalaciones interactivas, intervenciones urbanas y filmperformance.

techne.11 es un territorio donde arte y tecnología se conjugan en performances e instalaciones que utilizan la ciudad como soporte. Los límites entre las disciplinas se borran y la inmediatez, la interactividad y la participación dan lugar a obras de un género híbrido y diverso.”

El viernes 4 estaremos con Esto no es Magritte, y su espectáculo, “Trashmutanta“, va la programación.

Los esperamos!!

Presentaciones en vivo:

- Live Cinema

- Circuit Bending

- Mapping

- Interactivos

BRIAN MACKERN URU
FERNANDO VELÁZQUEZ BRA.URU
MARCUS BASTOS BRA
PANETONE BRA
RACHEL ROSALEN BRA
RAFAEL MARCHETTI BRA.URU.ARG
RICARDO PALMIERI BRA

Pinche aquí para ver el vídeo

¿Qué conexiones hay entre un quehacer más ingenieril y otro más artístico?

Autómatas es un documental de 26 min aprox en proceso de realización que da a conocer usos de la robótica poco conocidos para el público general. Desde principios del siglo XXI, no sólo se experimenta con esta disciplina a nivel científico en Uruguay, sino que se estudia en ámbitos educativos y artísticos. Si bien el uso de la robótica en arte es incipiente en el país, hay obras nacionales. ¿Cuales son las motivaciones de un creador en ingeniería y de otro en arte? ¿Qué proyectos buscan llevar a la robótica a los jóvenes y al público no académico?
¿Qué eventos promueven el acceso a estas temáticas?
DIRECCIÓN E IDEA ORIGINAL: Jimena Schroeder
DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Y CÁMARA: MANUEL LARROSA PRODUCCIÓN: NOELIA TORRES Y JIMENA SCHROEDER
MONTAJE: NOELIA TORRES
POSTPRODUCCIÓN Y DISEÑO GRÁFICO: LAURA SANDOVAL
POSTPRODUCCIÓN DE AUDIO: ANDRÉS NUDELMAN

Adelanto de Autómatas, proyecto documental. Jueves 15 de setiembre, 20:00 hs, en el marco del 8vo Campeonato de Sumo Robótico, en el Estadio de Sumo Robótico, Edificio Polifuncional Faro (salón B01), Facultad de Ingeniería.
Más info del evento: http://www.fing.edu.uy/inco/eventos/sumo.uy/

Encuentro de discusión teórica e intercambio de experiencias sobre diseño, producción, escritura y puesta en escena de relatos para medios interactivos. El conjunto de temas a debatir incluye experiencias de video mapping, geolocalización y uso de celulares como medios narrativos, pero también todos los formatos y dispositivos pre-digitales que anticipan la lógica interactiva. De la Poética de Aristóteles al relato hipertextual – Del Teatro de calle a la Performance en línea- Del Cine Expandido a la TV interactiva- Del Kinetoscopio a los Videojuegos.

¿Donde?

Junín 1930 (C.P. 1113) Buenos Aires
El Centro Cultural Recoleta está situado en uno de los barrios mas tradicionales de Buenos Aires.
Uno de los entornos preferidos por el turismo internacional, alberga museos, paseos y atracciones que le dan un marco muy especial al CCR.

Ver mapa más grande

Más información sobre las actividades en http://nht.iuna.edu.ar/

Quizás, una dimensión poética involuntaria de esta obra haya sido la cantidad de trabajo burocrático para que se pudiera realizar la intervención. La artista tuvo que pedir permisos al departamento de conservación del Victoria and Albert Museum, al departamento de conservación de la Royal College of Arts, obtener las autorizaciones del Patrimonio Inglés (propietarios de la estatua), del ayuntamiento de la ciudad de Westminster, de las juntas municipales de los barrios de Chelsea y Kensington (sobre cuyos límites se levanta la estatua), del rector de la Royal College of Arts e incluso del actual Lord Napier. (1)

A pesar de todo, esta “intervención autorizada” fue todo un éxito. Al estar en un lugar destacado fue vista diariamente por muchos turistas y devolvió cierto protagonismo a un monumento público que se había integrado tanto en el paisaje que a duras penas tenía visibilidad. En este sentido, la artista consiguió lo que se había propuesto: “[…] la estatua que simboliza el pasado militar o el imperialismo debería cubrirse para hacer visibles los tópicos del pasado.” (2)

Es difícil determinar quien fue el actor principal en esta intervención. En el caso de que fuera el Estado el que pintara una estatua del patrimonio y se encontrara con una protesta del público, habría sido difícil que dicha protesta fuera escuchada y tuviera efecto. Sin embargo, si la artista no hubiera obtenido los permisos pertinentes su intervención habría fracasado y habría perdido su inversión de tiempo y trabajo.

¿Sería más apropiado describir esta intervención como una colaboración entre artista y Estado?

La larga historia de intervenciones artísticas se ha visto envuelta en juicios y enfrentamientos con las autoridades, incluso en enfrentamientos entre artistas. Esta historia representa un valioso ejemplo para “detectar los límites” que marcan la frontera entre acciones críticas que producen rechazo y las que son  aceptadas. Las intervenciones siempre suscitan diferentes preguntas:

¿Cuál es la relación actual entre el artista y el Estado?

¿Qué queremos decir con apoyo del Estado en el contexto del arte?

¿Deberíamos invitar y animar al Estado a asociarse en todo tipo de iniciativas creativas?

¿Cual es el papel de los artistas en relación con el Estado y los intereses de éste?

¿Acaso el patrocinio público ha de suponer un beneficio tangible para los contribuyentes? (3)

Dicho de otra manera, si se cuenta con una subvención se espera algún tipo de resultado. Cuando hablamos del Estado como patrocinador del narte, ¿cuál sería la ganancia esperada de dicha inversión?

Arte como inversión

Generalmente se considera al patrocinio del arte como una muestra de la relativa prosperidad y salud cultural de una región o nación.
Podríamos deducir que un Estado que invierte en arte, incluso en prácticas experimentales para las que aún no existe un vocabulario, es digno de admiración. Pero éste también responde a motivaciones prácticas; el patrocinio cultural se entiende como una inversión económica real que aporta algún tipo de beneficio social.

Robert Florida, el influyente teórico norteamericano de estudios urbanos, reúne en una sola categoría a trabajadores tecnológicos, artistas, músicos, lesbianas y gays en lo que denomina la clase creativa, capaz de estimular el desarrollo económico de áreas metropolitanas. Su libro The Rise of the Creative Class ha influido en decisiones políticas, como se puede apreciar en la producción del arte en norte América. El mismo Florida ha trabajado junto al Director del
Ballet Nacional de Canadá y junto al banquero de inversiones Robert Foster en el consejo del Creative Capital Initiative, un plan para mejorar la inversión cultural de Toronto. Muchas ciudades han seguido sus consejos, hasta el punto de que uno se pregunta si se está facilitando el traslado de artistas a barrios pobres, donde los alquileres son de bajo coste, como fase inicial en procesos de gentrificación.

La expresión “efecto Guggenheim” (o “efecto Bilbao”) denota la transformación económica y cultural de una ciudad entera a través de la creación de un museo. El emblemático museo de Frank Gehry en Bilbao (1997) es célebre por el profundo impacto que ha causado en la economía y en la imagen de la ciudad. (4) A pesar de haber creado miles de empleos nuevos (principalmente en la industria del turismo) también ha multiplicado el valor inmobiliario, desplazando a las
poblaciones inmigrantes y elevando el coste de vida en toda la zona.

Los estudios de mercado para invertir en arte tienen en cuenta estos efectos, citando como incentivos el turismo cultural, la estimulación de nuevos mercados, la revitalización de regiones post-industriales debilitadas, la contribución a la investigación y desarrollo industrial y la proyección de una imagen positiva y progresista del Estado. Ninguna de estas cosas son negativas en sí mismas, pero sitúan al artista en un punto estratégico, otorgándole un papel productivo,
un papel de gran valor para el Estado en general.

Solicitar financiación pública

Aquí nos enfrentamos a la pregunta “¿qué fue antes, la gallina o el huevo?” que no sólo afecta al potencial transformador del arte mismo, sino que además puede llegar a promover un peligroso hábito de dependencia.

Consideremos en primer lugar el problema del rigor crítico de las artes.

En la mente del público el artista siempre ha sido una especie de figura fantástica, incluso romántica,; un personaje resuelto que se posiciona fuera del  utilitarismo o de las convenciones de la sociedad, incluso al margen de la vida civil. A pesar de las transformaciones radicales del concepto de “arte”, la imagen del artista (curiosamente) ha permanecido relativamente igual.

Mientras que esta visión ficticia del artista se ha atribuido con frecuencia a la pobreza (5) o al comportamiento anti-social, el artista suele ser respetado como alguien que ha tenido el coraje y la visión para hacer preguntas profundas e inquietantes sobre quiénes somos y cómo vivimos, llegando a incidir en la manera en la que vemos el mundo. Es precisamente este papel en el que el artista se autoproclama como un ser ajeno al Estado y a la sociedad civil lo que le otorga su legitimidad.

Con semejante legado, el Estado se convierte en un mecenas problemático.

Es inevitable que las convocatorias para subvenciones o ayudas conocidas como “convocatoria de proyectos”, se vean ensombrecidas por el problema que supone que el Estado mismo ejerza como comisario artístico. El Estado se excede en su papel de “facilitador” decidiendo sobre la producción de obras dentro de una agenda preexistente.

El patrocinio de las artes también confiere un reconocimiento importante al artista, el reconocimiento de que la sociedad en general valora la obra del creador. A este valor se le asocia una importancia cultural, se entiende que la obra del artista es una contribución profunda a una cultura dada y una aportación a la visión que ésta tiene sobre sí misma. Algo, sin duda, deseable.

No es mi intención abogar por el fin de lo que llamamos patrocinio de las artes, por miedo a los efectos negativos que pueda tener sobre las prácticas creativas. Más bien, quiero llamar la atención sobre lo que puede ser una relación poco crítica y a veces demasiado dependiente del arte con el patrocinio mismo.

El patrocinio ha supuesto un gran impulso para muchos artistas, como yo mismo, quienes hemos tenido la oportunidad de adaptar y desarrollar obras en el marco de una comisión, permitiendo la materialización de algunas de ideas que de otra manera probablemente habrían sido abandonadas. En el caso de obras complejas (la complejidad técnica es casi un distintivo de las obras de media art), se requiere de tiempo y de recursos para la investigación. El coste de material tecnológico hace que llevar tales ideas a cabo sin financiamiento resulte difícil, a veces imposible.

Admito que muchas de las obras que he realizado no hubieran sido posibles sin el apoyo del Estado. Sin embargo, también es necesario mencionar que actualmente muchos artistas que trabajan en Europa parecen, cada vez menos capaces de concebir su trabajo sin patrocinio (o fuera de una institución que lo ofrezca) o sin financiación de algún tipo. Países como Holanda, Reino Unido o gran parte de Escandinavia tienen una sólida historia de financiación estatal.

En los espacios europeos dedicados al media art existe una inquietud constante por el dinero, o por los recursos como se suele expresar eufemísticamente. Cuando estos recursos provienen del Estado, éste se convierte en un cómplice o colaborador en la producción de la obra. Por lo tanto, no tiene ningún sentido esperar que un artista presente una obra que desafíe al Estado o critique aspectos sociales, políticos y/o jurídicos, y menos aún que el Estado vaya a financiar una obra que lo haga.

Aunque no se haga explícito, se está implantando una cultura de conformidad, que surge de un pensamiento económico como paradigma dominante. Mientras que el arte como manifestación reconocida por su rigor y valor crítico, asumlida como un pilar vital de una sociedad sana y auto-reflexiva, poco a poco va debilitándose. De este modo, el Estado acaba concentrando las funciones de mecenas, censor y comisario de arte.

Ahora nuestro segundo problema: la dependencia

En junio de 2011 Zijlstra, el ministro de cultura holandés, anunció un recorte de 200 millones de euros en la partida destinada al patrocinio de las artes. Puede que sea la sentencia de muerte para muchas organizaciones en Holanda, algunas de las cuales se consideran como iniciativas canónicas en la escena  internacional del media art (V2_, Sonic Acts, Mediamatic, NIMK, STEIM, entre otras). (6)

Muchas de estas organizaciones nacieron directamente del patrocinio y se han beneficiado del apoyo constante del Estado desde su creación.
Con exposiciones, talleres, mini-festivales, publicaciones y seminarios públicos regulares, estas organizaciones aparentemente son indisociables del entramado cultural contemporáneo de Holanda. La oposición a los recortes ha sido intensa, con peticiones, protestas y numerosas cartas, enviadas desde Holanda y desde el extranjero, al despacho de Zijlstra.

Sin embargo, la sorpresa frente a los recortes ha sido reveladora; que tal cosa sea inimaginable señala la profunda asunción de que el Estado debe apoyar las artes, especialmente en lo que se refiere a áreas experimentales como el media art.

Me gustaría cuestionar esta expectativa, e incluso sugerir que en las condiciones económicas actuales esta resulta peligrosa.

La política cultural de los Estados europeos está adquiriendo una forma cada vez más parecida a la del “Nuevo Mundo”: una empresa geográficamente  abstracta, cuyos ejecutivos votamos periódicamente. En el panorama actual de crisis económica, el objetivo primordial del Estado-como-empresa es la consecución un crecimiento competitivo. Con cifras de explosión demográfica presionando la infraestructura de un mercado agresivo, un amplio apoyo a las artes puede no parecer estar entre las prioridades del Estado, puede que no tenga ningún sentido económico.

Es más, los ejecutivos que la mayoría democrática pone en el poder traen consigo sus propias estrategias e intereses y pueden o no mantener su compromiso con las condiciones por las que fueron votados. Resumiendo, es una lotería…

Depender del Estado para mantener organizaciones de media art y financiar prácticas experimentales no parece sensato. Estas áreas deberían contar con estrategias más astutas.

Cada vez más, serán abandonados proyectos culturales que en aparencia no estimulen nuevos mercados, generen turismo cultural, revitalicen ciudades post-industriales desfavorecidas (Newcastle, Linz, Karlsruhe), o contribuyan a la generación de I+D o proyecten una imagen que concuerde con la del Estado.

En este sentido, es posible que los borradores de proyectos para laboratorios que acojan talleres de sonido, música experimental, sorftware, bio art, computación física o realidad mixta, no parezcan una inversión sensata. No importa cuán importantes sean estas disciplinas y sus instituciones dentro del proyecto humanista: parece que algunos países europeos están siguiendo los pasos del “Nuevo Mundo” y se están alejando del patrocinio de las artes, quizá prefiriendo en última instancia la privatización del sector.

Como resultado de los enormes cambios en como hemos visto en Holanda, capítulos enteros de la historia del media art tendrán que enfrentarse a un crudo invierno de austeridad y a grandes esfuerzos de reestructuración, en el caso de que sobrevivan. Mientras tanto, la inversión consciente o inconsciente del contribuyente en estos campos (que da lugar a proyectos y grandes órganos especializados de conocimiento) muy probablemente no serán documentados, incluso puede que se pierdan por completo; excepto por una volátil documentación en páginas web.

Estrategias

No existe una sola respuesta al dilema de la dependencia. Posiblemente, la opción más inteligente sea una combinación de estrategias complementarias de financiación. A continuación hay una serie de estrategias, más relacionadas con la financiación de instituciones artísticas sin ánimo de lucro que con artistas:

Lo que conocemos como Crowd-founding ha sido empleado por artistas para obtener apoyo financiero para desarrollar obras durante siglos, siendo la caridad y el mecenazgo las más notables. Por ejemplo, “The Threshold Pledge System” es una especie de crowd-funding que el mismo Mozart empleó para tres conciertos, K413-415.

Generalmente, la búsqueda por parte de artistas de crowd funding, implica su compromiso público para llevar a cabo una obra particular una vez que se alcance una cantidad concreta de dinero, normalmente en un periodo de tiempo. Si no se alcanza la cantidad fijada, se reembolsa todo el dinero. En años recientes, se han desarrollado numerosas plataformas de software para Internet, el ejemplo más destacado es Kickstarter.

Una crítica común a este modelo es que la idea a ser financiada debe ser pública, además de popular, para que el modelo funcione. Algunos artistas temen los riesgos ante la posibilidad de que otros artistas les “roben” sus ideas.

En cualquier caso, este sistema podría aplicarse tanto a las instituciones de media art que busquen desarrollar un proyecto grande, como a artistas que trabajen de manera independiente en un proyecto pequeño.

Facilitación de producción. Éste es un modelo que se emplea en varias organizaciones experimentales y de media art en todo el mundo. Se designa una porción del equipo, materiales y otros recursos de la institución a proyectos financiados por terceros, y los beneficios que se obtienen de estos proyectos se emplean para mantener la programación de la institución. HANGAR en Barcelona es un buen ejemplo de este modelo en funcionamiento. Naturalmente, en el caso del artista
independiente, esto dependería de sus habilidades para el trabajo comercial, algo no siempre apetecible para muchos artistas, dado que pueden preferir buscar mecenas o contactos con marchantes de arte para que su trabajo se inscriba directamente dentro del mercado.

Plataformas públicas de educación. En vez que depender del Estado para mantener programas educativos públicos gratuitos con temas dados y aprobados, las organizaciones artísticas pueden albergar talleres de calidad o seminarios de manera regular, cobrando la entrada según requiera cada caso.

A pesar de las dificultades, tengo esperanzas en que del pesimismo ante la austeridad –que actualmente atraviesa el sector de las artes en Europa– surja un cambio positivo: un compromiso para la exploración y la aplicación de estrategias que liberen a las artes de su dependencia del Estado y que reduzca su vulnerabilidad infraestructural a largo plazo.

Pienso que estas novedades podrían estimular una disposición crítica mucho más atrevida y rigurosa dentro del media art y de las artes en general. Un arte sin miedo a ofender, incluso a morder la mano que le da de comer.

* Traducción Sibley Labandeira

Notas

1 http://en.wikipedia.org/wiki/Art_intervention#Lord_Napier_in_red_tape.2C_2004

2 http://www.kernotart.com/artist/eleonora.html

3 Eleanor Heartney, Art and Money
http://www.artnet.com/magazineus/features/heartney/art-and-money-and-politics-3-28-11.asp

4 Una visión económica positivista del Efecto Bilbao
http://www.forbes.com/2002/02/20/0220conn.html

5 Resulta cómico que “Khudozhik”, el término ruso para artista también
signifique “flaco” o indispuesto.

6 El media art es un buen ejemplo de una práctica emergente que no se
considera central en la historia del arte y, por lo tanto, es más
vulnerable en tiempos de austeridad.

KILO~CICLO/Arte Sonoro || Richard Garet [NY]

Viernes 5 de agosto 2011, 19:30hs
Teatro de la Facultad de Artes
18 de Julio 1772
Montevideo, Uruguay
Entrada Gratuita
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Richard Garet
Luz, Movimiento, y Perturbaciones de Radio

La presentación se centrará en las superficies, los gestos, las diferencias y las distancias entre cada material y su fenomenología, para activar y ampliar las manifestaciones expresivas del sonido y de las ondas electromagnéticas que utiliza la tecnología de radio. Esta construcción sonora en vivo de Richard Garet está caracterizada por un aura de ruido gris pero sin embargo la misma emerge del tratamiento de interferencias de radio, sonificación de imágenes en movimiento, y las perturbaciones electromagnéticas.

El material de esta obra surge de la utilización de radios AM/FM y radios SW. El campo sonoro se establece mediante la utilización de las señales de radio en tiempo real, para activar y resonar objetos, piezos, motores, parlantes modificados, disimulando su origen mediante el filtrado de los rangos de frecuencia del sonido obtenido.
Por otra parte, una serie de técnicas extendidas se aplicarán para interrumpir las señales de las radios y establecer un campo electromagnético donde las perturbaciones del sistema y la retroalimentación de audio se puedan manifestar nuevamente como una capa adicional de sonido. Fotocélulas conectadas al sistema de sonido, son utilizadas para interrumpir el sonido aún más, una vez que la intensidad de la emisión de color y luz parpadeante que parten de las imágenes, activen a las mismas.

El trabajo consiste en una proyeccion parpadeante de formas semi- geométricas, color, y luz intensa. Sonidos sutiles, ruidos más bruscos y físicos. Además, la maleabilidad del material introduce el tono, el timbre, y una variedad de texturas. La tonalidad y la armonía puedan surgir en el trabajo como consecuencia de la utilización de ruidos y objetos que contienen en forma natural esa característica sonora. En esta situación se puede manifiestar la indeterminación musical como un subproducto de la manipulación de la materia y el establecimiento de ritmos morfológicos de sonido, la sonificación de imágenes en movimiento y un ambiente sonoro de poli-capas.

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Richard Garet trabaja con múltiples medios incluyendo imagen en movimiento, arte sonoro, performance, y fotografía digital. Terminó su maestría en arte interdisciplinario en Bard College, NY, y fue galardonado por la Fundación de Arte Contemporáneo con una beca de emergencia para artistas. Tambien obtuvo una beca y residencia artistica galardonada por Jerome Fundación a través de Issue Project Room en Brooklyn, NY, y la beca New York State Council of the Arts a través de Lehman College, Bronx, NY. Recientemente terminó una residencia artistica de tres meses en lssue Project Room, en Brooklyn, NY en 2010, y previamente ha completado una residencia en Taliesin West, Frank Lloyd Wright Escuela de Arquitectura, Scottsdale, Arizona en 2006. Las exposiciones artisticas mas recientes de Garet incluyen: Museo de Bellas Artes de Montreal, San Francisco Museum of Modern Art, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, Museo de Arte de Puerto Rico, y El Museo del Barrio en Nueva York, entre otras. Sus composiciones de sonido han sido publicadas en compañías disqueras independientes de arte sonoro como And-Oar, Non Visual Objects, Winds Measure Recordings, Unframed Recordings, Con-V, Leerraum, White_Line Editions, y Contour Editions.

Actualmente, Garet es co-curador de la serie de performances mensual LMAKseries, la cual integra películas experimentales, video, arte aural y performance de medios en la ciudad de Nueva York. Además, Garet es el director de la disquera independiente Contour Editions que publica obras que exploran las diferentes vertientes de la luz y el sonido.

Richard Garet está interesado en los fenómenos que se encuentran y se producen en los medios de comunicación basados en el tiempo, y en la relación de los seres humanos con los ambientes naturales y artificiales. Su proceso de exploración audiovisual se concentra en el concepto y la función, material y proceso artístico, escuchar, mirar y la vivencia completa. A pesar de que su obra se puede exhibir en galerías, muchas de sus actividades como artista exploran las diferentes prácticas del performance de audio y la experimentacion con luz e imagen en movimiento. La obra de Garet expone al público a exploraciones en tiempo real de procesos audiovisuales, enfatizando la experiencia, lo sensorial, y la receptividad activa de cuerpo y mente. Garet afirma: “Cuando creo una pieza, reflexiono en lo que la obra quiere lograr, cómo funciona en relación con el espacio, cómo afecta al público y cómo el contenido visual y auditivo se conectan entre sí. Estas cuestiones determinan e influencian la dirección de la obra.”

Richard Garet nació en Montevideo, Uruguay y vivió en Caracas, Venezuela durante 10 años. Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York desde 1996 hasta el presente.

+info:
http://www.richardgaret.co​m/

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KILO~CICLO/Arte Sonoro || Richard Garet [NY]

Viernes 5 de agosto 2011, 19:30hs
Teatro de la Facultad de Artes
18 de Julio 1772
Montevideo, Uruguay
Entrada Gratuita
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KILO~CICLO/Arte Sonoro
Espacio de encuentro y conciertos de arte sonorovisual experimental.
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organizan:
Ienba (Area de los lenguajes computarizados) UDELAR
montevideo.etc (Espacios de Tecnología y Cultura)

apoya:
Intendencia de Montevideo / Departamento de Cultura

dorkbot.mvd || Viernes 29 de Julio 2011 / 19:30hs
Eduardo Melendez [mx]

centro de exposiciones – subte
plaza fabini [del entrevero].
montevideo, uruguay.
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Tenemos el honor de contar en esta oportunidad con la presencia del artista, programador y músico Lalo Meléndez [mx] quien compartirá sus diversos trabajos en torno a la plataforma vvvv, procesos creativos e instalaciones reactivas.

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Eduardo Melendez (México)

Artista visual-sonoro en medios electrónicos / programador. Su trabajo explora diversos soportes como la videoinstalación interactiva, performance visual-sonoros, música electrónica experimental.
Actualmente cursa la maestría en Artes Electrónicas en la Universidad Nacional Tres de Febrero, en Buenos Aires, desarrollando una tesis de maestría enfocada estudio y creación de instalaciones interactivas, con un enfoque narrativo-algorítmico.
Trabajó en el Centro Multimedia, del CENART (Centro Nacional de las Artes de México) como investigador, docente y desarrollador en arte y medios electrónicos del año 2001 al 2009.
En el Centro Multimedia colaboró con gran variedad de proyectos artísticos que trabajan con tecnología, desde la óptica de varias disciplinas como el cine, danza, teatro, artes visuales y música, con un interés particular en la interdisciplina.
Estudió la carrera de Saxofón en la Escuela Superior de Música de México. Composición de música Electroacústica con Sergio Luque, Carole Chargueron y Rodrigo Sigal. Composición de música contemporánea con Julio Estrada, Jorge Torres y Georgina Derbez.
Su trabajo se ha mostrado en varios festivales mexicanos e internacionales como Temps D’Image en Montreal (Can), Tsonami (BuenosAires, Argentina), Festival Contato (Sao Carlos, Brasil), Ciencia de Garage (MediaLabPrado,Madrid,España), Interactivos? (MediaLabPrado, Madrid, España), Hurta Curdel (Madrid, España), transitio_mx en México, rawBits (r4wb1t5) en Chicago(EUA)-Cd.  de México, Festival de arte sonoro Radar (México), Festival Internacional Cervantino (Guanajuato, Mexico), entre otros.

sitio web:
http://sites.google.com/site/lalomelendez/

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[-:] dorkbot.mvd:lo más chido en tecnología! [:-]

dorkbot.mvd || Viernes 29 de Julio 2011 / 19:30hs
Eduardo Melendez [mx]

centro de exposiciones – subte
plaza fabini [del entrevero].
montevideo, uruguay.
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